Robados en París cinco cuadros valorados en 100 millones de euros

Entre las obras robadas la pasada noche en el Museo de Arte Moderno de París se encuentran obras de Picasso, Matisse y Modigliani

ANTONIO JIMÉNEZ BARCA - París - 20/05/2010

La noche del miércoles al jueves, cinco cuadros fueron robados en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París. Según informa Le Figaro , las obras hurtadas son: Le pigeon aux petits pois de Pablo Picasso, La pastorale de Henri Matisse, L'olivier près de l'Estaque de Georges Braque, La femme à l'éventail d'Amédéo Modigliani, y Nature morte aux chandeliers de Fernand Léger. El museo, que había valorado en principio las cinco obras en 500 millones de euros, ha bajado su estimación a unos 100 millones.

Todavía se desconocen los detalles del operativo que llevó al robo. El museo está situado a unos 200 metros de al Torre Eiffel, junto al río Sena, y muy cerca del puente Puente de l'Alma. Los cacos accedieron al edificio por la parte de atrás, adonde se puede llegar sin problemas hasta unos grandes ventanales, casi a ras de suelo, y desde los que se accede directamente a las salas. Una vez allí, rompieron los cristales y reventaron el candado de las verjas de protección. Lo que aún no se ha dado a conocer es si la alarma falló o fue desactivada por los asaltantes.

Esta mañana, agentes de la Policía Científica y de la Brigada Criminal intentaban localizar pistas que pudieran haber dejado los ladrones en las instalaciones o en el exterior. El robo ha sido descubierto a las siete de la mañana cuando han llegado los primeros trabajadores. El Museo hará público un comunicado de prensa.

El Museode Arte Moderno de la ciudad de París fue inaugurado en 1961 y en él se exponen colecciones que ilustran direrentes corrientes del arte del siglo XX. Con más de 8.000 obras en sus salas, tiene entre sus piezas más conocidas La Danse, de Matisse; Le Nudanslebain y Le Jardin, de Bonnard; L'équipe de Cardiff,de Robert Delaunay, La Rivière, de Derain, o Les Disques, de Léger.

El alcalde de París, Bernard Delanoë, ha manifestado en un comunicado su "consternación" por la noticia. "Estoy especialmente triste y me resulta chocante este robo que supone un ataque intolerable al patrimonio cultural universal de París", señaló, a la vez que prometió que se pondrán en marcha "todos los medios (...) para encontrar estas obras maestras", informa desde París Ana Teruel.

Un largo historial de robos

La abundante obra de Picasso expuesta en los museos de la capital francesa ha sido objeto de diferentes robos a lo largo de los últimos años.

En junio del año pasado se produjo otro robo en un museo de París. Un ladrón -o un grupo de ladrones- accedió al Museo Picasso, en el centro de la ciudad y sin dejar marcas ni romper nada se apropió de una carpeta con 33 dibujos firmados por el artista. El valor de lo sustraído en aquella ocasión fue mucho menor: en principio las obras se valoraron en ocho millones de euros que la ministra de Cultura francesa, Christine Albanel, rebajó luego a unos tres millones. Albanel explicó entonces que los dibujos eran más bien un "croquis" con "más valor científico que de mercado".

En febrero de 2007, los ladrones sustrajeron de la casa parisiense de Diana Widmaier-Picasso, nieta del creador del cubismo, dos de sus obras valoradas en unos 50 millones de euros. Mayaà la poupée (1938) y Portrait de Jacqueline (1961) fueron recuperados por la policía medio año más tarde. Marina Picasso, otra de las nietas del pintor, sufrió el robo de una quincena de cuadros en su casa de Cannes, el 5 de noviembre de 1989, aunque aparecieron cuatro días después. En enero de 2004, una naturaleza muerta de Picasso fue sustraída del museo Georges Pompidou de París, y tres meses más tarde encontrada, informa Efe.

Pero el robo más importante en Francia se remonta a 1976, cuando fueron sustraídas 118 obras de Picasso del Museo de Aviñón. Otros robos de obras de Picasso se han sucedido en Zúrich, donde en 1994 desaparecieron casi veinte telas en una galería de arte, y Londres, donde en 1997 un hombre se llevó la escultura Tète de Femme, que fue recuperada. En Río de Janeiro sellevaron en 2006 El retrato de Suzanne Bloch y en Sao Paulo fueron sustraídos en diciembre de 2007 y junio de 2008 tres grabados del genio malagueño que finalmente recuperó la policía brasileña.

EL BOOM DE LOS NARCOLIBROS

Bajo el 'boom' de los 'narcolibros'
Cinco autores debaten en el Festival de la Palabra sobre escribir contra la violencia

De izquierda a derecha, Leonardo Padura, Pedro Cabiya, Mario Mendoza, Paco Ignacio Taibo II y Élmer Mendoza, en el Festival de la Palabra de San Juan de Puerto Rico.

Lo que para los autores del boom representaron el paraguayo José Gaspar Rodríguez de Francia, el dominicano Rafael Leónidas Trujillo, el guatemalteco Estrada Cabrera o el chileno Augusto Pinochet lo representan hoy para sus herederos los jefes de las bandas mafiosas de Medellín o Ciudad Juárez. Los capos del narcotráfico han sustituido a los dictadores en la literatura latinoamericana. Los jeeps militares han dado paso a una flota de aparatosos cuatro por cuatro con cristales ahumados y la violencia ha dejado de moverse en sentido vertical para colonizar horizontalmente la sociedad entera.

* En la ciudad fortificada

Los capos sustituyen a los dictadores en la literatura latinoamericana

Cuando el mexicano Élmer Mendoza, un hombre al que según su compatriota Paco Ignacio Taibo II los traficantes respetan "porque quieren salir en sus novelas", habla de los 22 asesinatos diarios de su país, con 100 millones de habitantes, el puertorriqueño Pedro Cabiya saca una cifra similar para el suyo, con sólo cuatro millones. "¡No puede ser!", tercia asombrado el cubano Leonardo Padura. "Puerto Rico se va a quedar vacío".

¿Cómo se traduce en letra toda esa sangre? ¿Cómo contar la violencia? Esa es la pregunta que ocupa varias de las sesiones del Festival de la Palabra, el encuentro que hasta el domingo se celebra en San Juan de Puerto Rico. La respuesta, a la vista de la edad de oro editorial que vive el género, es esta: con las herramientas del género policiaco. Taibo II, director de la Semana Negra de Gijón, lo explica así mientras se mueve hiperactivo por la sede del festival: "La corrupción es un iceberg y tanto el periodismo como las ciencias sociales tienen muy difícil contar la parte sumergida. Muchas veces se conforman con contar la parte visible, o sea, el 10%. La novela negra cuenta el iceberg completo". El español José Ovejero, que estos días ultima un libro sobre escritores delincuentes, confirma que la novela negra es además, junto con la autobiografía, el formato preferido por los narradores -no es el caso, que se sepa, de los invitados a Puerto Rico- que pasan por la cárcel: la ficción sirve para vender libros; la no ficción, para vender la idea de que la sociedad también es culpable.

"Si hablamos de violencia hablamos de narco", dice Cabiya mientras Élmer Mendoza apunta que se trata del segundo negocio más importante del mundo después del tráfico de armas: "No es algo exótico sino la realidad cotidiana". Y en pocos sitios es así como en Colombia, añade otro Mendoza, Mario. El narrador bogotano, autor de Satanás, una novela adaptada el cine por Andi Baiz, y que acaba de publicar en su país el ensayo La locura de nuestro tiempo (Seix Barral), recuerda que en Colombia la violencia es "del establecimiento", es decir, estructural. "El propio narcotráfico tiene un diseño perfecto para permear toda la sociedad", reflexiona. Y explica que el llamado proceso 8.000, que en 1995 implicó al presidente Ernesto Samper, acusado de recibir dinero del narco para su campaña, destapó una red cuyo hilos habían sido tejidos por traficantes, ministros, futbolistas, periodistas y reinas de la belleza. "La violencia ya no es vertical, ahora es un rizoma". ¿Y qué hace un escritor con todo eso? "Equilibrios", responde Mendoza. "No hay buenos ni malos. Si eres maniqueo cometes un error. Si creas héroes, también. Todos son malos", dice. Y al instante, añade: "Pero no use como titular, por favor, 'En Colombia todos son malos'. Luego tengo problemas con ese nacionalismo ofendido que gasta dinero en publicidad para dar buena imagen del país".

"La modernidad de una ciudad se mide por las balas que truenas en sus calles", se lee en el arranque de Balas de plata (Tusquets), de Élmer Mendoza. El escritor mexicano dice que esa línea es un truco para atrapar al lector -y en Europa atrapó a muchos- pero no desmiente lo que tiene de radiografía social. A medio camino, literalmente, entre México y Colombia, en Nicaragua, situó Sergio Ramírez su última novela, El cielo llora por mí (Alfaguara), una historia de ex combatientes antisomocistas que terminan trabajando en el departamento de estupefacientes de la policía. Generacionalmente con un pie en el boom y otro en sus consecuencias, Ramírez es, como su país, el puente perfecto entre la literatura que se ocupó de la violencia política y la que se ocupa ahora de la violencia sin adjetivos. Para él además los escritores siguen respondiendo al mismo resorte: "La historia pública irrumpe en la historia privada y la destroza". Sea pasto de las enciclopedias o de las páginas de sucesos.

L'ESTACA PER NABIL ALMANZOR I MIQUEL GIL

RAFA XAMBÓ

JORGE DREXLER

Jorge Drexler es un cantautor uruguayo, nacido el 21 de septiembre de 1964 en Montevideo. Además de músico y compositor es doctor en Medicina especializado en otorrinolaringología.

Biografía [editar]

Cursó sus estudios básicos en la escuela pública y la secundaria en el liceo Kennedy y en el instituto Ariel Hebreo Uruguayo. Algunas de sus actividades fueron las de salvavidas, cantante de sinagoga (jazán) y practicante médico a domicilio. Pasó también por las actividades del movimiento juvenil Jazit Hanoar. Estudió medicina y se licenció en su ciudad natal. Tras obtener su diploma se desempeñó como médico otorrinolaringólogo al igual que sus padres.

Es padre de un hijo, Pablo, fruto de su matrimonio con la cantante Ana Laan, que graba sus discos bajo el seudónimo de Rita Calypso. Actualmente es pareja de Leonor Watling, actriz y cantante del grupo Marlango, con quien ha tenido un hijo, Luca, a comienzos de 2009.

Inicios artísticos [editar]

En 1991 obtuvo uno de los premios del Primer Concurso de la Canción Nacional Inédita, realizado por la radio Alfa FM de Montevideo, junto a otros jóvenes artistas también premiados: Carlos Vidal y La Fragua, María Rosa Castrillón, Gastón Rodríguez y Tocata y Fuga, con quienes comparte una cassette editada por el sello Sondor. Al año siguiente el sello Ayuí / Tacuabé editó su primer larga duración el cual se tituló "La luz que sabe robar".

Fue telonero de Joaquín Sabina en el Teatro de Verano de Montevideo, lo cual determina que en 1995 fuera a España para ser telonero en tres conciertos de Sabina. Pero en vez de quedarse un mes, se quedó a vivir. En realidad antes de Sabina fue telonero de Caetano Veloso en el teatro Solis de Montevideo. Actualmente vive en las afueras de Madrid, pero graba sus discos en Montevideo.

Sus obras son interpretadas por cantautores como Ana Belén, Víctor Manuel, Pablo Milanés, Miguel Ríos, Ketama, Neneh Cherry, Ana Torroja, el israelí David Broza, Rosario Flores, Jovanotti, Paulinho Moska, el uruguayo Jaime Roos, la tanguera argentina Adriana Varela, Mal de Amores y el Bajofondo Tango Club.

Polémica tras la entrega de los premios Óscar [editar]

La organización del evento de la entrega de los Premios Óscar decidió que el cantautor uruguayo no debía interpretar su canción hasta ese momento nominada en la categoría de mejor canción inédita para una película por su tema Al otro lado del río en el filme Diarios de motocicleta debido a que Drexler no es una figura lo suficientemente conocida como para hacerlo. A pesar de no estar de acuerdo con esta decisión aceptó las medidas tomadas y aclaró que este penoso incidente fue por parte de los organizadores del evento y no de la Academia.

Durante la entrega de los Premios Óscar la canción fue interpretada por el actor Antonio Banderas acompañado del guitarrista Carlos Santana. Días antes, Drexler había mostrado su disconformidad por este hecho así que, cuando se acercó a recibir el premio en vez de dar el respectivo discurso de agradecimiento interpretó un fragmento de su canción a capella, obteniendo de alguna manera su revancha.

Actualidad [editar]

Componer es un momento de cuestionamiento, euforia y depresión. Una vez que abrís una canción, no tenés más remedio que terminarla. Si no la sensación es de coitus interruptus, horripilante, no te deja dormir. Y cuando lo resolvés..., no quiero continuar con la analogía, pero sí: es como muy bueno, una intensa sensación placentera, de enorme gratificación y de contacto con lo divino.
Entrevista a Jorge Drexler, por María Eugenia Ludueña, en la revista de autogestión Hecho en Buenos Aires, n.º 47.

Su disco 12 segundos de oscuridad se grabó en Madrid, con Juan Campodónico en la producción, y con la colaboración de Leonor Watling y Kevin Johansen en los coros, y un dueto con María Rita en el tema Soledad. Este disco se editó prácticamente en todo el mundo entre septiembre de 2006 y febrero de 2007.

12 segundos de oscuridad, incluye diez temas originales y dos covers: uno de la banda británica Radiohead, y otra de los brasileños Titãs además del single titulado Transoceánica.

Recientemente Drexler también prestó su imagen para el videoclip de la canción de Macaco Madre Tierra.

Durante su reciente gira por la ciudad de México, DF, acordó una licencia con el director mexicano Fernando Sariñana para utilizar el tema La edad del cielo en su nuevo filme, que llevará por nombre Enemigos íntimos y que protagonizará Demián Bichir.^[1]

A su vez en septiembre de 2007 acordó su participación en el filme español Que parezca un accidente del director español Gerardo Herrero, para quien compondrá una canción llamada Lo que aparenta.^[2]

En abril de 2008 publicó Cara B, un doble disco de 32 canciones de su repertorio grabadas en vivo y acompañadas por una guitarra y los sonidos de la calle (el traqueteo de un tren, el despegue de un avión, el sonido de una banda de música -Banda de Música del Prat-, la percusión de dos jóvenes de Barcelona,...) grabados en su gira por Cataluña. Este disco, sin embargo, no busca ser un recopilatorio o un 'grandes éxitos', y contiene en gran parte canciones de los primeros discos o canciones raras de su repertorio y ha sido definido por el propio Drexler como 'el intento de volver visible la parte no visible de un proyecto, en este caso un proyecto de 8 discos'.

Drexler también colaboró para el disco She Wolf de Shakira con las canciones "Loba" (versión en español del sencillo que le da nombre al disco), "Lo Hecho Está Hecho" (versión en español de "Did It Again") y "Años Luz" (versión en español de "Why Wait").

En marzo de 2010, saldrá a la venta el nuevo disco de Jorge Drexler, "Amar la trama".

Discografía [editar]

Álbumes [editar]

• La Luz Que Sabe Robar (Ayuí / Tacuabé, 1992)
• Radar (Ayuí / Tacuabé ae137cd, 1994)
• Vaivén (Virgin España, 1996)
• Llueve (Virgin España, 1998)
• Frontera (Virgin España, 1999)
• Sea (Virgin España, 2001)
• Eco (Dro Atlántic, 2004)
• Eco² (incluye 3 bonus tracks + DVD. Dro Atlántic, 2005)
• 12 Segundos De Oscuridad (Dro Atlántic, 2006)
• Cara B (doble directo + DVD. Dro Atlántic, 2008)
• Amar la trama (2010)

Colectivos [editar]

• Los ganadores del concurso Alfa (compartido con Carlos Vidal, Maria Rosa Castrillon, Gastón Rodríguez y Tocata y fuga.. Sondor 4.752-4. 1991)

Reediciones y recopilaciones [editar]

• La luz que sabe robar (Ayuí / Tacuabé y Posdata pd 2013. 1999)
• La edad del cielo (2004)
• Primeras grabaciones. 1992-1994. La Luz que sabe robar + Radar. (Disco doble. Dro Atlántic, 2005)

JORGE DREXLER

"Intento robar coses de la realitat"

Entrevista a Eduardo Noriega, que avui estrena 'El mal ajeno', 'opera prima' d'Oskar Santos produïda per Amenábar

Bernat Salvà

Eduardo Noriega posa a prova els seus recursos interpretatius a El mal ajeno, una pel·lícula influenciada per M. Night Shyamalan (particularment per El protegit) que transita per diferents gèneres (thriller, drama realista, cinema fantàstic...) i explora el dolor i altres emocions. Opera prima d'Oskar Santos, ha suposat el retrobament professional d'Eduardo Noriega i Alejandro Amenábar 13 anys després d'Abre los ojos. Belén Rueda, Angie Cepeda, Cristina Plazas i Clara Lago completen el gran repartiment d'aquest film sobre un metge que adquireix de sobte el do de curar malalties greus.

Va passar un temps al costat de metges per preparar el personatge. ¿Li va ser més útil a nivell tècnic o a nivell psicològic i emocional?
Vaig estar en diversos hospitals, entre els quals hi ha el Gregorio Marañón, on tinc un amic anestesista, i feia guàrdies amb ells, assistia a visites, anava als quiròfans... Aparentment no feia res, però m'amarava del seu comportament. Em valia tècnicament i també en el pla psicològic, perquè t'adones que sembla que no els afectin en absolut les malalties greus, és el seu dia a dia. Em sorprenia la naturalitat amb què trampegen el dolor, la distància que hi posen... Jo crec que és un mecanisme de defensa. També em servia veure com cada metge es dirigeix al pacient, per decidir quina mena de metge volia ser jo a la ficció.

Tots els metges estableixen aquesta distància amb el dolor?
He conegut de tot, gent que no els afecta gens ni mica, gent que pateix amb la seva professió perquè són incapaços de desvincular-se del patiment aliè, i gent que és capaç de posar-se aquesta barrera a l'hospital i en canvi a casa, lluny del caos, els surt... Hi ha de tot, són éssers humans. Però vaig aprendre que la distància del meu personatge no està tan fora del comú. Però crec que, inevitablement, tard o d'hora, t'has de desentendre d'això, és impossible empatitzar amb el dolor aliè cada dia.

Què opina del dolor després d'interpretar aquest metge que treballa amb pacients que pateixen molt?
Tant el dolor com la mort són temes tabús en la nostra societat. Estem obsessionats per no patir, per morir sense assabentar-nos-en, no parlem de la mort o de certes malalties... És fàcil de dir, perquè ara mateix no passo per una fase de patiment físic ni psicològic, però estic convençut que el dolor és part de nosaltres, és part de la nostra vida. I la mort també, ens tocarà a tots, i no es pot viure sense ser conscients de la mort. Per esprémer la vida al màxim cal ser conscient que tot té una doble cara, i que no hi hauria el plaer i l'alegria sense moments de dolor. De tota manera, vull afegir que la pel·lícula, encara que toca tots aquests temes, té un missatge positiu, i al final és una història d'amor. És una barreja de moltes coses: thriller, suspens, fantasia, tragèdia, drama, una mica de comèdia... i sobretot és una història d'amor. El personatge fa un viatge cap a la llum, cap a sentir-se viu, cap a fer un gest d'amor absolut amb la gent que estima.

Va als hospitals quan ha de fer de metge, aprèn català quan el personatge el parla... Sempre s'implica tant en els papers que fa?
Mai fas prou, quan jugues a ser algú altre. Procuro, en la mesura de les meves possibilitats, documentar-me, saber de què parlo, sóc molt curiós i intento robar sempre coses de la realitat. En el cas dels idiomes, m'encanten, i si de sobte tinc l'oportunitat d'aprendre català, doncs tot això que hi guanyo. El llenguatge no són només unes paraules unides, diuen molt d'un poble, d'una cultura, i és una forma d'aproximar-t'hi. En el cas del català, és relativament proper al castellà, és una llengua llatina.

Es definiria com un actor de mètode?
Cada actor té el seu mètode. Després hi ha el Mètode que parteix de Stanislavski, passa per Lee Strasberg als Estats Units... Jo he tingut sort perquè he tingut bons professors, he tingut una professora cubana que treballava amb la versió del Mètode que es fa a Cuba; he après pur Stanislavski a l'escola d'Ángel Gutiérrez, que de nen va ser emigrant a Rússia i va estar en una escola de Moscou; el professor que tinc ara és Fernando Piernas, un argentí que ensenya el Mètode de Lee Strasberg; i també vaig tenir Charo Amador, que va ser alumna de William Leyton. Al final són moltes ramificacions però totes vénen del mateix, de Stanislavski i Lee Strasberg, que va variant i evolucionant segons les escoles i les noves generacions.

Com ha estat el retrobament amb Amenábar?
Estic orgullosíssim que hagi comptat amb mi, perquè ell, si no ho veu clar, no fa cap tipus de concessió. Les dues pel·lícules que vaig fer amb ell han estat fonamentals a la meva carrera. Hem pres camins diferents, encara que mantenim una relació personal, però tinc la sensació que el que hem recollit en aquest camí ho podrem abocar en algun projecte junts.

LA FURA DELS BAUS

La Fura divide La Scala

JUAN ÁNGEL VELA DEL CAMPO 19/03/2010

Milán vive estos días una particular "hora española" en el terreno artístico. Con pocas horas de diferencia se ha abierto al público una exposición sobre Goya y el mundo moderno, y se ha presentado La Fura dels Baus, versión Carlus Padrissa, en La Scala con una obra de Wagner. Ni Goya ni La Fura dejan indiferentes, pero la polémica se ha inclinado en esta ocasión del lado operístico.

TANNHÄUSER DE WAGNER

Director musical: Zubin Mehta. Dirección de escena: La Fura dels Baus / Carlus Padrissa. Vídeo: Franc Aleu. Con Robert Dean Smith, Anja Harteros, Roman Trekel y Julia Gertseva. Nueva producción. Teatro de La Scala. Milán, 17 de marzo.

Paradójicamente, Padrissa y su equipo se han volcado con esta nueva producción wagneriana con Zubin Mehta de responsable musical. Tal vez de esa fructífera identificación entre Mehta y Padrissa provenga una de las cuestiones más difíciles de aceptar por el público operístico tradicional: la ambientación del wagneriano Tannhäuser en la India y concretamente en el Rajastán. Lo justifica Padrissa por la pervivencia actual de los peregrinos a orillas del Ganges, en una atmósfera espiritual de resonancias medievales, más auténticamente pura, si se quiere, que las peregrinaciones religiosas de nuestros días en el mundo occidental. Además, la explosión colorista de los naranjas, amarillos, fucsias, del vestuario oriental, daba a la representación un tono explosivamente sensual y estéticamente bellísimo. La estructura dramatúrgica se mantiene a la perfección y el personaje central se debate entre el deseo carnal y el ansia espiritual, mostrándose el conflicto con criterios de universalidad y transparencia narrativa. ¿Dónde salta, pues, el conflicto? Pues seguramente en el deseo de mostrar el mundo moderno de India y, en concreto, en la inclusión de unas coreografías bollywoodienses en pleno concurso de los maestros cantores de Wartburg. Es la única nota de humor que el espectáculo tiene. Un sector del público no se lo perdonó a La Fura.

La bacanal del comienzo de la ópera, una escena tan dada a los excesos, transcurre con un esteticismo estilizado, fruto de una combinación de imágenes de vídeos, alusiones acuáticas y grupos de desnudos en combinaciones elegantes, con unos cuerpos de mujer deslumbrantes. Una mano robotizada de Roland Olbeter, de 11 metros de altura, con significados varios, actúa de hilo conductor. A veces es la fuerza del destino, otras es la mano acusadora del Papa, subrayada con unas breves imágenes de su visita a Nicaragua y su desencuentro con Ernesto Cardenal. El trabajo videográfico de Franc Aleu es sencillamente apabullante, tanto tecnológica como creativamente. En cuanto al vestuario de Chu Uroz es colosal en colorido y manejo de los brillos. Con todos ellos, la estética galáctica y poética de La Fura luce en todo su esplendor. Escenas como la lluvia de hojas otoñales al comienzo del tercer acto o la bajada de los cielos de las lavanderas al lago formado por las lágrimas de amor de Elisabeth son verdaderamente inolvidables.

El director Zubin Mehta, como en él es habitual, realizó una lectura extrovertida y "mediterránea", llena de luces, colores y contrastes, en las antípodas de los planteamientos más reflexivos e interiorizados que utiliza en sus acercamientos a Wagner otro director habitual de La Scala como Barenboim. La orquesta del teatro respondió espléndidamente, 24 horas después de una prestación colosal de Desde la casa de los muertos, de Janacek, con Esa Pekka Salonen. Tiene mucho mérito esa flexibilidad.

La gran triunfadora de la noche en los veredictos del público fue, no obstante, la soprano Anja Harteros como Elisabeth. La división de opiniones alcanzó al tenor Robert Dean Smith como Tannhäuser, a Roman Trekel como Wolfram y a Julia Gertseva como Venus. Y, por supuesto a La Fura, abucheada por un sector del público con la misma o mayor intensidad que era aclamada por otro. En líneas generales fue una representación de gran interés a pesar de las deficiencias en el terreno vocal. El grado comunicativo de Mehta compensó con creces su ausencia de trascendencia. En cuanto a La Fura, es admirable que posea una estética propia en un mundo de tanta uniformidad conceptual. Es una estética en la que conviven lo friqui con las nuevas tecnologías, la imaginación visual con el respeto a la música original. Cada espectador se fue a su casa con su opinión propia. Es una de las grandezas de la ópera, capaz de levantar unas pasiones que hoy día son escasas en otro tipo de espectáculos. Y en pleno frenesí de bravos y buuus acabó siendo ovacionada una esplendorosa Sofia Loren que se encontraba en un palco al lado de Giorgio Armani. La Scala, ay, La Scala.

TÓRTOLA VALENCIA, BALLERINA

Carmen Tórtola Valencia (Sevilla, 18 juny de 1882-Barcelona, 15 març de 1955), ballerina envoltada de misteri i plena de talent i curiositat, ha passat a la història per la seua renovadora forma d'entendre la dansa, farcida de influències orientals, apreses en l'observació directa i en una recerca exhaustiva en biblioteques.