JORGE DREXLER

Jorge Drexler es un cantautor uruguayo, nacido el 21 de septiembre de 1964 en Montevideo. Además de músico y compositor es doctor en Medicina especializado en otorrinolaringología.

Biografía [editar]

Cursó sus estudios básicos en la escuela pública y la secundaria en el liceo Kennedy y en el instituto Ariel Hebreo Uruguayo. Algunas de sus actividades fueron las de salvavidas, cantante de sinagoga (jazán) y practicante médico a domicilio. Pasó también por las actividades del movimiento juvenil Jazit Hanoar. Estudió medicina y se licenció en su ciudad natal. Tras obtener su diploma se desempeñó como médico otorrinolaringólogo al igual que sus padres.

Es padre de un hijo, Pablo, fruto de su matrimonio con la cantante Ana Laan, que graba sus discos bajo el seudónimo de Rita Calypso. Actualmente es pareja de Leonor Watling, actriz y cantante del grupo Marlango, con quien ha tenido un hijo, Luca, a comienzos de 2009.

Inicios artísticos [editar]

En 1991 obtuvo uno de los premios del Primer Concurso de la Canción Nacional Inédita, realizado por la radio Alfa FM de Montevideo, junto a otros jóvenes artistas también premiados: Carlos Vidal y La Fragua, María Rosa Castrillón, Gastón Rodríguez y Tocata y Fuga, con quienes comparte una cassette editada por el sello Sondor. Al año siguiente el sello Ayuí / Tacuabé editó su primer larga duración el cual se tituló "La luz que sabe robar".

Fue telonero de Joaquín Sabina en el Teatro de Verano de Montevideo, lo cual determina que en 1995 fuera a España para ser telonero en tres conciertos de Sabina. Pero en vez de quedarse un mes, se quedó a vivir. En realidad antes de Sabina fue telonero de Caetano Veloso en el teatro Solis de Montevideo. Actualmente vive en las afueras de Madrid, pero graba sus discos en Montevideo.

Sus obras son interpretadas por cantautores como Ana Belén, Víctor Manuel, Pablo Milanés, Miguel Ríos, Ketama, Neneh Cherry, Ana Torroja, el israelí David Broza, Rosario Flores, Jovanotti, Paulinho Moska, el uruguayo Jaime Roos, la tanguera argentina Adriana Varela, Mal de Amores y el Bajofondo Tango Club.

Polémica tras la entrega de los premios Óscar [editar]

La organización del evento de la entrega de los Premios Óscar decidió que el cantautor uruguayo no debía interpretar su canción hasta ese momento nominada en la categoría de mejor canción inédita para una película por su tema Al otro lado del río en el filme Diarios de motocicleta debido a que Drexler no es una figura lo suficientemente conocida como para hacerlo. A pesar de no estar de acuerdo con esta decisión aceptó las medidas tomadas y aclaró que este penoso incidente fue por parte de los organizadores del evento y no de la Academia.

Durante la entrega de los Premios Óscar la canción fue interpretada por el actor Antonio Banderas acompañado del guitarrista Carlos Santana. Días antes, Drexler había mostrado su disconformidad por este hecho así que, cuando se acercó a recibir el premio en vez de dar el respectivo discurso de agradecimiento interpretó un fragmento de su canción a capella, obteniendo de alguna manera su revancha.

Actualidad [editar]

Componer es un momento de cuestionamiento, euforia y depresión. Una vez que abrís una canción, no tenés más remedio que terminarla. Si no la sensación es de coitus interruptus, horripilante, no te deja dormir. Y cuando lo resolvés..., no quiero continuar con la analogía, pero sí: es como muy bueno, una intensa sensación placentera, de enorme gratificación y de contacto con lo divino.
Entrevista a Jorge Drexler, por María Eugenia Ludueña, en la revista de autogestión Hecho en Buenos Aires, n.º 47.

Su disco 12 segundos de oscuridad se grabó en Madrid, con Juan Campodónico en la producción, y con la colaboración de Leonor Watling y Kevin Johansen en los coros, y un dueto con María Rita en el tema Soledad. Este disco se editó prácticamente en todo el mundo entre septiembre de 2006 y febrero de 2007.

12 segundos de oscuridad, incluye diez temas originales y dos covers: uno de la banda británica Radiohead, y otra de los brasileños Titãs además del single titulado Transoceánica.

Recientemente Drexler también prestó su imagen para el videoclip de la canción de Macaco Madre Tierra.

Durante su reciente gira por la ciudad de México, DF, acordó una licencia con el director mexicano Fernando Sariñana para utilizar el tema La edad del cielo en su nuevo filme, que llevará por nombre Enemigos íntimos y que protagonizará Demián Bichir.^[1]

A su vez en septiembre de 2007 acordó su participación en el filme español Que parezca un accidente del director español Gerardo Herrero, para quien compondrá una canción llamada Lo que aparenta.^[2]

En abril de 2008 publicó Cara B, un doble disco de 32 canciones de su repertorio grabadas en vivo y acompañadas por una guitarra y los sonidos de la calle (el traqueteo de un tren, el despegue de un avión, el sonido de una banda de música -Banda de Música del Prat-, la percusión de dos jóvenes de Barcelona,...) grabados en su gira por Cataluña. Este disco, sin embargo, no busca ser un recopilatorio o un 'grandes éxitos', y contiene en gran parte canciones de los primeros discos o canciones raras de su repertorio y ha sido definido por el propio Drexler como 'el intento de volver visible la parte no visible de un proyecto, en este caso un proyecto de 8 discos'.

Drexler también colaboró para el disco She Wolf de Shakira con las canciones "Loba" (versión en español del sencillo que le da nombre al disco), "Lo Hecho Está Hecho" (versión en español de "Did It Again") y "Años Luz" (versión en español de "Why Wait").

En marzo de 2010, saldrá a la venta el nuevo disco de Jorge Drexler, "Amar la trama".

Discografía [editar]

Álbumes [editar]

• La Luz Que Sabe Robar (Ayuí / Tacuabé, 1992)
• Radar (Ayuí / Tacuabé ae137cd, 1994)
• Vaivén (Virgin España, 1996)
• Llueve (Virgin España, 1998)
• Frontera (Virgin España, 1999)
• Sea (Virgin España, 2001)
• Eco (Dro Atlántic, 2004)
• Eco² (incluye 3 bonus tracks + DVD. Dro Atlántic, 2005)
• 12 Segundos De Oscuridad (Dro Atlántic, 2006)
• Cara B (doble directo + DVD. Dro Atlántic, 2008)
• Amar la trama (2010)

Colectivos [editar]

• Los ganadores del concurso Alfa (compartido con Carlos Vidal, Maria Rosa Castrillon, Gastón Rodríguez y Tocata y fuga.. Sondor 4.752-4. 1991)

Reediciones y recopilaciones [editar]

• La luz que sabe robar (Ayuí / Tacuabé y Posdata pd 2013. 1999)
• La edad del cielo (2004)
• Primeras grabaciones. 1992-1994. La Luz que sabe robar + Radar. (Disco doble. Dro Atlántic, 2005)

JORGE DREXLER

"Intento robar coses de la realitat"

Entrevista a Eduardo Noriega, que avui estrena 'El mal ajeno', 'opera prima' d'Oskar Santos produïda per Amenábar

Bernat Salvà

Eduardo Noriega posa a prova els seus recursos interpretatius a El mal ajeno, una pel·lícula influenciada per M. Night Shyamalan (particularment per El protegit) que transita per diferents gèneres (thriller, drama realista, cinema fantàstic...) i explora el dolor i altres emocions. Opera prima d'Oskar Santos, ha suposat el retrobament professional d'Eduardo Noriega i Alejandro Amenábar 13 anys després d'Abre los ojos. Belén Rueda, Angie Cepeda, Cristina Plazas i Clara Lago completen el gran repartiment d'aquest film sobre un metge que adquireix de sobte el do de curar malalties greus.

Va passar un temps al costat de metges per preparar el personatge. ¿Li va ser més útil a nivell tècnic o a nivell psicològic i emocional?
Vaig estar en diversos hospitals, entre els quals hi ha el Gregorio Marañón, on tinc un amic anestesista, i feia guàrdies amb ells, assistia a visites, anava als quiròfans... Aparentment no feia res, però m'amarava del seu comportament. Em valia tècnicament i també en el pla psicològic, perquè t'adones que sembla que no els afectin en absolut les malalties greus, és el seu dia a dia. Em sorprenia la naturalitat amb què trampegen el dolor, la distància que hi posen... Jo crec que és un mecanisme de defensa. També em servia veure com cada metge es dirigeix al pacient, per decidir quina mena de metge volia ser jo a la ficció.

Tots els metges estableixen aquesta distància amb el dolor?
He conegut de tot, gent que no els afecta gens ni mica, gent que pateix amb la seva professió perquè són incapaços de desvincular-se del patiment aliè, i gent que és capaç de posar-se aquesta barrera a l'hospital i en canvi a casa, lluny del caos, els surt... Hi ha de tot, són éssers humans. Però vaig aprendre que la distància del meu personatge no està tan fora del comú. Però crec que, inevitablement, tard o d'hora, t'has de desentendre d'això, és impossible empatitzar amb el dolor aliè cada dia.

Què opina del dolor després d'interpretar aquest metge que treballa amb pacients que pateixen molt?
Tant el dolor com la mort són temes tabús en la nostra societat. Estem obsessionats per no patir, per morir sense assabentar-nos-en, no parlem de la mort o de certes malalties... És fàcil de dir, perquè ara mateix no passo per una fase de patiment físic ni psicològic, però estic convençut que el dolor és part de nosaltres, és part de la nostra vida. I la mort també, ens tocarà a tots, i no es pot viure sense ser conscients de la mort. Per esprémer la vida al màxim cal ser conscient que tot té una doble cara, i que no hi hauria el plaer i l'alegria sense moments de dolor. De tota manera, vull afegir que la pel·lícula, encara que toca tots aquests temes, té un missatge positiu, i al final és una història d'amor. És una barreja de moltes coses: thriller, suspens, fantasia, tragèdia, drama, una mica de comèdia... i sobretot és una història d'amor. El personatge fa un viatge cap a la llum, cap a sentir-se viu, cap a fer un gest d'amor absolut amb la gent que estima.

Va als hospitals quan ha de fer de metge, aprèn català quan el personatge el parla... Sempre s'implica tant en els papers que fa?
Mai fas prou, quan jugues a ser algú altre. Procuro, en la mesura de les meves possibilitats, documentar-me, saber de què parlo, sóc molt curiós i intento robar sempre coses de la realitat. En el cas dels idiomes, m'encanten, i si de sobte tinc l'oportunitat d'aprendre català, doncs tot això que hi guanyo. El llenguatge no són només unes paraules unides, diuen molt d'un poble, d'una cultura, i és una forma d'aproximar-t'hi. En el cas del català, és relativament proper al castellà, és una llengua llatina.

Es definiria com un actor de mètode?
Cada actor té el seu mètode. Després hi ha el Mètode que parteix de Stanislavski, passa per Lee Strasberg als Estats Units... Jo he tingut sort perquè he tingut bons professors, he tingut una professora cubana que treballava amb la versió del Mètode que es fa a Cuba; he après pur Stanislavski a l'escola d'Ángel Gutiérrez, que de nen va ser emigrant a Rússia i va estar en una escola de Moscou; el professor que tinc ara és Fernando Piernas, un argentí que ensenya el Mètode de Lee Strasberg; i també vaig tenir Charo Amador, que va ser alumna de William Leyton. Al final són moltes ramificacions però totes vénen del mateix, de Stanislavski i Lee Strasberg, que va variant i evolucionant segons les escoles i les noves generacions.

Com ha estat el retrobament amb Amenábar?
Estic orgullosíssim que hagi comptat amb mi, perquè ell, si no ho veu clar, no fa cap tipus de concessió. Les dues pel·lícules que vaig fer amb ell han estat fonamentals a la meva carrera. Hem pres camins diferents, encara que mantenim una relació personal, però tinc la sensació que el que hem recollit en aquest camí ho podrem abocar en algun projecte junts.

LA FURA DELS BAUS

La Fura divide La Scala

JUAN ÁNGEL VELA DEL CAMPO 19/03/2010

Milán vive estos días una particular "hora española" en el terreno artístico. Con pocas horas de diferencia se ha abierto al público una exposición sobre Goya y el mundo moderno, y se ha presentado La Fura dels Baus, versión Carlus Padrissa, en La Scala con una obra de Wagner. Ni Goya ni La Fura dejan indiferentes, pero la polémica se ha inclinado en esta ocasión del lado operístico.

TANNHÄUSER DE WAGNER

Director musical: Zubin Mehta. Dirección de escena: La Fura dels Baus / Carlus Padrissa. Vídeo: Franc Aleu. Con Robert Dean Smith, Anja Harteros, Roman Trekel y Julia Gertseva. Nueva producción. Teatro de La Scala. Milán, 17 de marzo.

Paradójicamente, Padrissa y su equipo se han volcado con esta nueva producción wagneriana con Zubin Mehta de responsable musical. Tal vez de esa fructífera identificación entre Mehta y Padrissa provenga una de las cuestiones más difíciles de aceptar por el público operístico tradicional: la ambientación del wagneriano Tannhäuser en la India y concretamente en el Rajastán. Lo justifica Padrissa por la pervivencia actual de los peregrinos a orillas del Ganges, en una atmósfera espiritual de resonancias medievales, más auténticamente pura, si se quiere, que las peregrinaciones religiosas de nuestros días en el mundo occidental. Además, la explosión colorista de los naranjas, amarillos, fucsias, del vestuario oriental, daba a la representación un tono explosivamente sensual y estéticamente bellísimo. La estructura dramatúrgica se mantiene a la perfección y el personaje central se debate entre el deseo carnal y el ansia espiritual, mostrándose el conflicto con criterios de universalidad y transparencia narrativa. ¿Dónde salta, pues, el conflicto? Pues seguramente en el deseo de mostrar el mundo moderno de India y, en concreto, en la inclusión de unas coreografías bollywoodienses en pleno concurso de los maestros cantores de Wartburg. Es la única nota de humor que el espectáculo tiene. Un sector del público no se lo perdonó a La Fura.

La bacanal del comienzo de la ópera, una escena tan dada a los excesos, transcurre con un esteticismo estilizado, fruto de una combinación de imágenes de vídeos, alusiones acuáticas y grupos de desnudos en combinaciones elegantes, con unos cuerpos de mujer deslumbrantes. Una mano robotizada de Roland Olbeter, de 11 metros de altura, con significados varios, actúa de hilo conductor. A veces es la fuerza del destino, otras es la mano acusadora del Papa, subrayada con unas breves imágenes de su visita a Nicaragua y su desencuentro con Ernesto Cardenal. El trabajo videográfico de Franc Aleu es sencillamente apabullante, tanto tecnológica como creativamente. En cuanto al vestuario de Chu Uroz es colosal en colorido y manejo de los brillos. Con todos ellos, la estética galáctica y poética de La Fura luce en todo su esplendor. Escenas como la lluvia de hojas otoñales al comienzo del tercer acto o la bajada de los cielos de las lavanderas al lago formado por las lágrimas de amor de Elisabeth son verdaderamente inolvidables.

El director Zubin Mehta, como en él es habitual, realizó una lectura extrovertida y "mediterránea", llena de luces, colores y contrastes, en las antípodas de los planteamientos más reflexivos e interiorizados que utiliza en sus acercamientos a Wagner otro director habitual de La Scala como Barenboim. La orquesta del teatro respondió espléndidamente, 24 horas después de una prestación colosal de Desde la casa de los muertos, de Janacek, con Esa Pekka Salonen. Tiene mucho mérito esa flexibilidad.

La gran triunfadora de la noche en los veredictos del público fue, no obstante, la soprano Anja Harteros como Elisabeth. La división de opiniones alcanzó al tenor Robert Dean Smith como Tannhäuser, a Roman Trekel como Wolfram y a Julia Gertseva como Venus. Y, por supuesto a La Fura, abucheada por un sector del público con la misma o mayor intensidad que era aclamada por otro. En líneas generales fue una representación de gran interés a pesar de las deficiencias en el terreno vocal. El grado comunicativo de Mehta compensó con creces su ausencia de trascendencia. En cuanto a La Fura, es admirable que posea una estética propia en un mundo de tanta uniformidad conceptual. Es una estética en la que conviven lo friqui con las nuevas tecnologías, la imaginación visual con el respeto a la música original. Cada espectador se fue a su casa con su opinión propia. Es una de las grandezas de la ópera, capaz de levantar unas pasiones que hoy día son escasas en otro tipo de espectáculos. Y en pleno frenesí de bravos y buuus acabó siendo ovacionada una esplendorosa Sofia Loren que se encontraba en un palco al lado de Giorgio Armani. La Scala, ay, La Scala.